Andy Golds Worrthy

Richard Serra

Posgrado

Se llaman estudios de posgrado o postgrado a los estudios universitarios posteriores al título de grado y comprenden los estudios de maestría (también denominados máster ó magíster) y doctorado. Además de los estudios propiamente dichos, se puede incluir a la investigación postdoctoral y a los cursos de especialización dentro de este ámbito académico. Se trata de un nivel educativo que forma parte del tipo superior, o de segundo y tercer ciclo en la nomenclatura legislativa española. Tiene como antecedente obligatorio la titulación de pre grado.

Doctorado

Es un grado académico  universitario de postgrado. En el Espacio Europeo de Educación Superior y en la mayoría de los países occidentales, requiere la superación previa del título de máster.

Tradicionalmente, la concesión de un doctorado implica el reconocimiento de la persona candidata como igual por parte de la facultad de la universidad en la cual ha estudiado. Quien obtiene este grado es llamado doctor o doctora.

Master

Es un grado académico otorgado a aquellos estudiantes que terminan un curso de segundo nivel de posgrado, que va de uno a tres años de duración.

DEA

El Diploma de Estudios Avanzados (o DEA) es, en España, un certificado acreditativo de los estudios de doctorado realizados, que garantiza y acredita la Suficiencia Investigadora y reconoce el trabajo desarrollado por el doctorando en un determinado campo de especialización (Área de Conocimiento).

El DEA debe ser solicitado mediante la presentación ante un tribunal de tres doctores de una memoria docente e investigadora, resumen de los dos períodos (docencia e investigación) de la primera fase del tercer ciclo:

En el período de docencia se deberá completar un mínimo de 20 créditos, dentro de un programa de Doctorado. Esto dará derecho a la obtención por parte del doctorando de un Certificado global y cuantitativamente valorado, que acreditará la superación del curso de docencia del tercer ciclo de estudios universitarios. Este certificado es homologable en todas las Universidades españolas.

En el periodo de investigación se deberá completar un mínimo de 12 créditos, consistentes en el desarrollo de uno o varios trabajos de investigación tutelados, dentro de uno de los Departamentos que desarrollen el programa al que esté adscrito el doctorando.

Una vez superados ambos períodos, se hará una valoración de los conocimientos adquiridos por el doctorando, en los distintos cursos, seminarios y período de investigación tutelado realizados por el mismo, en una exposición pública que se efectuará ante un Tribunal único para cada programa, propuesto por los Departamentos responsables del programa y aprobado por la Comisión de Doctorado. El tribunal está formado por tres Doctores, uno de los cuales será ajeno al Departamento del programa de Doctorado, pudiendo ser de otra Universidad o del Consejo Superior de Investigaciones Científicas. Uno de los miembros de este Tribunal, que ha de ser Catedrático de Universidad, actuará de Presidente.

La obtención del DEA es obligatoria para la obtención del grado de Doctor.

Tomoko Hasuwa
Artista Japonesa
Su pintura que se encuentra entre la abstracción y la figuración con una gran explosión de color y luz.
 

Conferencia Bruno Jamaica y Tomoko Hasuwa

Bruno Jamaica es un artista de origen portugués que vive y trabaja en Londres. Bruno hace  instalaciones de una especie de dibujos en tres dimensiones. La exploración de los fundamentos de la línea a lo largo de las explosiones del movimiento. Explora un conjunto de conceptos como: Orgánica, Inorgánica, percepción estructura objeto tiempo espacio y el individuo.

La obra de Bruno que es de un orden universal y que hace de su trabajo una forma de estar en el mundo y la sociedad, articulando el activismo y el romanticismo.  Bruno crea experiencias estéticas de transformación del espacio empeñados en mostrar el gesto humano. 

        

30 de Abril 2014

Evaluación de los blog de nuestros compañeros y autoevaluación

Unidad didáctica

La unidad didáctica es la intervención de todos los elementos que intervienen en el proceso de enseñanza-aprendizaje con una coherencia metodológica interna y por un período de tiempo determinado.

Elementos de la unidad didáctica

1.Descripción de la unidad didáctica.- En este apartado se podrá indicar el tema específico de la unidad, los conocimientos previos que deben tener los alumnos para conseguirlos, las actividades de motivación, etc. Referencia del número de sesiones de que consta la unidad, a su situación respecto al curso o ciclo, y al momento en que se va a poner en practica.
2.Objetivos didácticos.- Establece qué es lo que, en concreto, se pretende que adquiera el alumno durante el desarrollo de la unidad didáctica.
Hay que prever estrategias para hacer partícipe al alumno de los objetivos didácticos.
3.Contenidos de aprendizaje.- Los contenidos de aprendizaje sobre los que se va a trabajar, deben recoger tanto lo relativo a conceptos, como a procedimientos y actitudes.
4. Contenidos de aprendizaje.- Establecer una secuencia de aprendizaje, en la que las actividades estén relacionadas. Es importante considerar la diversidad presente en el aula y ajustar las actividades a las diferentes necesidades educativas de los alumnos en el aula.
5.-Recursos materiales.- Conviene señalar los recursos específicos para el desarrollo de la unidad.
6. Organización de espacio y el tiempo.- Se señalan  los aspectos específicos en torno a la organización del espacio y del tiempo que requiera la unidad.
7. Evaluación.- Las actividades que van a permitir la valoración de los aprendizajes de los alumnos y los instrumentos que se van a utilizar para ello deben ser situados en el contexto general de la unidad, señalando
cuáles van a ser los criterios de valoración.
Es importante prever actividades de auto evaluación que desarrollen en los alumnos la reflexión sobre el proceso de aprendizaje.

 ¿Por qué estudiar arte?

Considerando que el aprendizaje artístico y la experiencia estética forman parte de los aspectos más sofisticados de la actividad y del sentimiento humano, no debemos esperar de ellos más de lo que somos capaces de ofrecer.

Para Dewey, el arte es una forma de experiencia que vivifica la vida; ayuda a que el organismo en crecimiento se de cuenta de que esta vivo; provoca sentimientos tan elevados que puede llegarse a identificar esta experiencia como evento único en la vida. Para Dewey, con el termino arte aludimos a dicha experiencia, esta es intrínsecamente valiosa,

relativamente infrecuente y no puede distorsionarse para servir a otros fines. Al emplear para otros fines objetos y acontecimientos que aporta la experiencia estética se están violando las características propias que el arte posee.

El arte proporciona los vínculos que consolidan el rito. Produce afiliación mediante su poder de impactar en las emociones y generar cohesión entre los hombres. Revela lo sublime y amplía nuestra conciencia. En resumen, las funciones del arte son múltiples. Si realizar tales funciones es tarea de la educación, entonces difícilmente puede negarse el lugar del arte en dicha tarea.

¿Qué funciones realiza el arte? Las obras de arte sirven para criticar a la sociedad en la cual han sido creadas y presentar así ante nuestra atención metáforas visuales a través de las cuales se transmiten ciertos valores. A menudo, la obra de arte presenta ante nuestros sentidos un conjunto de valores, positivos o negativos; la obra elogia o condena, pero comenta el mundo y nos hace sentir algo frente al objeto que representa, a condición de que hayamos aprendido a “leer su mensaje”.

En definitiva, el artista funciona frecuentemente como un crítico social y como un visionario. Su obra permite que aquellos de nosotros que poseemos menor capacidad de percepción aprendamos a ver lo que permanecía oculto; habiendo visto lo oculto a través del arte, conseguimos hacernos mejores.

Las obras de arte nos transportan también al mundo de la fantasía y del sueño. Nos hacen revivir viejas imágenes y nos transportan con las alas de la imagen visual al mundo fantástico del sueño. Estas obras nos ayudan a participar de nuevo en los momentos mágicos de la mente y a revelar ideas y sentimientos escondidos en sus entresijos.

Las artes visuales no sólo funcionan en estos sentidos; llaman también nuestra atención sobre los aspectos aparentemente triviales de nuestra experiencia, lo cual nos permite hallar nuevo valor en ellos. La mirada del artista encuentra placer y significado en la sugerente sutileza de las reminiscencias y lugares de nuestra existencia. La obra de arte muestra estas instituciones, las hace vivenciar y despierta de nuevo nuestra conciencia hacia lo que hemos aprendido a no ver. Así, el arte es el peor enemigo de la mediocridad, de lo mundano. Sirve para ayudarnos a redescubrir el sentido del mundo de la visión, desempeña un importante papel en el desarrollo de la vida de la sensibilidad y funciona como una imagen de lo que podría ser la vida.

El arte proporciona también los vínculos que consolidan el rito. Produce afiliación mediante su poder de impactar en las emociones y generar cohesión entre los hombres. Revela lo inefable y amplía nuestra consciencia. En resumen, las funciones del arte son múltiples. Si realizar tales funciones es tarea de la educación, entonces difícilmente puede negarse el lugar del arte en dicha tarea.

  EDUCAR LA VISÓN ARTÍSTICA  Elliot W. Eisner. Editorial Piados, 1995

LA UTILIDAD DE LO INÚTIL- NUCCIO ORDINE

Reflexionar sobre la idea de utilidad de aquellos saberes cuyo valor esencial es del todo ajeno a cualquier finalidad utilitarista.
Existen saberes que son fines por sí mismos y que pueden ejercer un papel fundamental en el cultivo del espíritu y en el desarrollo civil y cultural de la humanidad.
Saberes de naturaleza gratuita y desinteresada, alejada de todo vínculo práctico y comercial.
Considero útil todo aquello que nos ayuda a hacernos mejores.
Escuelas, universidades, centros de investigación, laboratorios, museos, bibliotecas, archivos no deberían estar en la lógica del beneficio.
La vida de un museo o una excavación arqueológica, como la de un archivo o una biblioteca, es un tesoro que la colectividad debe preservar con celo a toda costa.
Humanistas y científicos luchan contra la dictadura del beneficio, en defensa de la libertad y la gratitud del conocimiento y la investigación.

Sócrates en el Banquete

"Estaría bien, Agatón, que la sabiduría fuera cosa de tal naturaleza que, al ponernos en contacto unos con otros, fluyera del más lleno al más vacío de nosotros, como fluye el agua en las copas, a través de un hilo de lana, de la más llena a la más vacía".

Taller Jörg Plickat

La experiencia del taller impartido por el profesor Jörg Plickat a sido muy positiva. Los primeros días hicimos bocetos en el programa 3D Blender, con figuras geométricas como el cubo, el cilindro, la pirámide, aplicando operaciones booleanas. Las ideas propuestas  por el profesor fueron amistad, hombre y mujer, etc. Cuando encontramos la pieza que más nos "encantó" ( El profesor se paseaba por las mesas y decía "me encanta" ) la materializamos en un boceto de pequeñas dimensiones, para después elegir el material definitivo y realizar la pieza en grandes dimensiones.
Mi pieza consiste, en cuatro pilares, realizados con listones de madera de samba, con  formas  rectangulares de dimensiones diferentes, que se apoyan unos sobre otros y los tres en el pilar más grande.
Los primeros días fueron relajados, dibujando, pensando en los materiales que utilizaríamos.
Los dos últimos días, trabajamos en el proyecto por la mañana y por la tarde hasta el ultimo momento.
Para concluir, colocamos todas las piezas en el jardín, paseamos recorriendo las piezas, comentamos cada uno nuestra experiencia e hicimos la foto del grupo, para terminar con un aplauso efusivo.
 

UNA EXPERIENCIA POSITIVA

Esculturaworkshop

El workshop trata la teoría de la forma, la composición, la tectónica, y la dinámica de la forma básica en la escultura.

Concepción de bocetos con programas 3D aplicado operaciones Booleanas enfocado principalmente para la realización de esculturas de grandes dimensiones.

                                                                       Ser artista

"Ser artista-confiesa Rainer Maria Rilke en un pasaje de la Cartas a un joven poeta- quiere decir no calcular ni contar: madurar como el árbol, que no apremia a su savia, y se yergue confiado en las tormentas de primavera, sin miedo a que detrás pudiera no venir el verano".

                                                        


                                                                      Pero ¿esto es arte?



... nuestro término"arte" tal vez ni siquiera sea aplicable a muchas culturas y épocas. Las prácticas artísticas y el papel de los artistas son asombrosa mente múltiples y difíciles de aprehender. Hay pueblos  tribales antiguos y modernos que no distinguirían el arte del artefacto y del ritual. Los cristianos europeos medievales no hacían "arte" como tal, sino que trataban de emular y alabar la hermosura de Dios. En la estética clásica japonesa, el arte podría incluir cosas inimaginables para los occidentales modernos, como un jardín, una espada, un rollo de caligrafía o la ceremonia del té.

Sangre y belleza

¿Por qué se ha usado sangre en tantas obras de arte? Una razón es que tiene interesantes similitudes con la pintura. [...] Drácula la bebe para crear a los vampiros. La sangre puede ser sagrada y noble, la sangre del  sacrificio de los mártires o los soldados. Las manchas de sangre en las sabanas indican la perdida de la virginidad y el paso a la edad adulta. [...] Evidentemente, la sangre tiene una infinidad de asociaciones expresivas y simbólicas.

Gusto y belleza

El término "estética" se deriva de la palabra griega que denota sensación o percepción aisthesis.
[...] El filósofo escocés David Hume no utilizó este termino, sino que habló de "gusto, la refinada capacidad de percibir la calidad en una obra de arte. [...] Hume insistía en la educación y en la experiencia: los hombres de gusto adquieren determinadas capacidades que conducen a un acuerdo en cuanto a qué autores y  obras de arte son los mejores. Esas personas, según él, acababan llegando a un consenso, y al hacerlo establecían un "criterio de gusto" que es universal.[...] Hume decía que los hombres de gusto deben "conservar la mente libre del prejuicio", pero pensaba que nadie debía hallar agrado en actitudes inmorales ni "maneras viciosas" en el arte (entre sus ejemplos figuraban obras de arte musulmán y católico romano echadas a perder por el fanatismo). Los escépticos critican ahora lo estrecho de esta visión diciendo que los árbitros del gusto de Hume sólo adquirían sus valores mediante el adoctrinamiento cultural.



Cynthia Freeland

El punto de partida de la clase de hoy a sido el artista Joseph Beuys cuyos objetivos básicos eran educar a todas las personas en la madurez intelectual .
En el centro de la clase hemos colocado un gran papel cuadrado, y sobre el, una bovina de hilo y un estropajo. Hemos propuesto cada uno un tema para debatir en clase,  por mayoría a salido el tema de la vejez y el futuro. A partir de esas dos palabras y de los objetos que estaban en el centro del papel han surgido las ideas.
Cada alumno ha escrito palabras que le sugerían la vejez y el futuro. Las mías sobre la vejez son: soledad, miedo, experiencia sabiduría ejemplo, respeto, pena, desesperación.
Sobre futuro: vivir el momento, el día a día, mañana, espera, incertidumbre.
Después hemos relacionado las palabras con los objetos. 
El estropajo da brillo a la experiencia de la vejez. El estropajo deja ver la sabiduría. 
No tener miedo al futuro, no pensar sobre un futuro lejano, la vida te va marcando el camino, y puede cambiar de ruta en cualquier momento.
Hemos dibujado en el papel y hemos escrito las palabras.

La clase ha resultado divertida, hemos trabajado la creatividad, cada uno a dado su opinión sobre estos temas. Es como una terapia de grupo donde pierdes el miedo a hablar en publico. Al estar colocados en circulo y sentados en el suelo me he sentido  más cómoda.

¿Cómo se llega a ser artista contemporáneo ?

Velázquez, Cervantes o Píndaro no se propusieron jamás llegar a ser artistas, por la simple razón de que, en sus épocas y sociedades respectivas, no existía el estatuto de "gran artista profesional", no estaban institucionalizadas las instancias que conceden esta categoría.

El hecho de que ciertos personajes premodernos hayan llegado a ser considerados artistas es un hecho plagado de azares y, como tal, hijo de selecciones realizadas mucho después de que tales figuras estuviesen enterradas y sus  obras totalmente concluidas, y obediente a criterios estéticos y científicos completamente ajenos a sus conciencias, relacionadas, entre otras muchas cosas, con la "invención de la Historia del Arte" llevada a cabo por varias generaciones de profesores universitarios durante el siglo XIX y XX.

Picasso o Flaubert se identifican plenamente como artistas modernos, individuos que sí lucharon por ser artistas, bien porque en su contexto esta lucha era posible y estaban especialmente dotados para ella, bien porque ellos mismos contribuyeron a forjar la figura canónica del artista moderno, como es más bien el caso, el de Flaubert. A pesar de la distancia que hay entre estos dos ejemplo, el camino para llegar a ser "artista moderno" esta marcado

por "atentados simbólicos" contra el orden establecido de la representación que en el caso de Flaubert son ya para nosotros prácticamente imperceptibles, y, en el de Picasso están en vías de serlo.

Pero lo que distingue al artista moderno del premoderno es el hecho de esforzarse por hacer de la ruptura de las reglas una profesión respetable. De tal modo que podría decirse que el gran logro del arte moderno  reside en la creación de la institución arte como una esfera de la cultura separada y distinta, dotada de relativa autonomía en cuanto a sus valores y cánones de legitimación con respecto a las demás esferas, y asociada a entidades como los museos y las bibliotecas nacionales, las grandes galerías, la industria editorial y las facultades de Bellas Artes. Este termino tan equívoco "bellas" para diferenciar de las "plebeyas" identifica para los modernos el titulo de nobleza que distingue al "gran arte" (digno de ser conservado) del pequeño, que solo tiene la función de servicio.

Esto de "puramente artístico" ha resultado siempre algo bastante misterioso, el pensador moderno, definió este misterio, del lado del receptor como una extraña facultad llamada "gusto", que no se puede aprender, y del lado del productor como una peculiar disposición del temple anímico -el genio- en virtud de la cual la naturaleza da la regla al arte.

Seguramente el arte empezó a tornarse contemporáneo el día en que esta condición misteriosa pasó a ser directamente sospechosa, sospecha sobre todo lo que hoy quiera llamarse bello. Y aunque la queja más popular contra  el arte contemporáneo consista en acusarle de fealdad, quizá su más profundo feismo se relacione más bien con su rechazo de la belleza "placer subjetivo puramente artístico", hasta el punto de que podría decirse que se llega a ser artista contemporáneo a través de una carrera sembrada de "atentados simbólicos" que, ahora, ya no se dirigen contra el orden establecido de la representación sino contra el arte como institución, entre cuyos muros medio demolidos vive a su pesar el artista contemporáneo.

JOSÉ LUIS PARDO

¿ Qué es un artista ?

La imagen del arte que se encuentra en la cultura contemporánea está centrada en la figura del autor, para comprender que, sin embargo, el artista es una construcción, resultado de factores como la crítica, la institución o el mercado, y que su función está unida al sistema institucional que enmarca, determina y articula los discursos artísticos.
A través de esta actividad se rescatan los procesos artísticos que surgen ya desde la primera mitad del siglo XX, y sobre todo las corrientes posteriores a la II Guerra Mundial, que suponen el cambios del rol del autor y la redefinición de la noción de arte. Así, se abordan casos que van desde la defensa de un nuevo autor colectivo, hasta la reducción del autor a un mero reciclador o recontextualizador, pasando por la participación activa del espectador en la producción de sentido de la obra.

¿ QUE ES LA JUSTICIA ?

 RAE.-Una de las cuatro virtudes cardinales, que inclina a dar a cada uno lo que          le corresponde o pertenece.

  Derecho, razón, equidad.

  Conjunto de todas las virtudes, por el que es bueno quien las tiene.

  Aquello que debe hacerse según derecho o razón. Pido justicia.

  Pena o castigo público.

  Poder judicial.